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Matucana 100 y la plataforma de arte contemporáneo One Moment Art presentan 7, una serie de siete instalaciones que tienen como tema los 7 pecados capitales. La cercanía o disociación del concepto 7 es el desafío que se ha puesto a un pool de artistas invitados para que intervengan el espacio a través de la imagen, el sonido y la instalación, para crear un imaginario en relación a cada pecado capital y así generar con estos elementos la interacción e interpelación a los visitantes.

La característica fundamental es que cada propuesta será activada en el mismo espacio por 7 miradas diferentes en 7 semanas. Cada intervención artística tendrá una duración de 5 días, inaugurando un día miércoles y terminando el domingo de la misma semana. Serán 7 exhibiciones de las cuales 5 son solo show y 2 duo show.

La soberbia, la avaricia, la lujuria, la ira, la gula, la envidia y la pereza son las siete pasiones del alma que la tradición cristiana ha fijado como «pecados capitales». Un vicio capital es un defecto de carácter que inclina al alma a un comportamiento que daña al ser humano y a quienes lo rodean.

ARTISTAS:

25 de Mayo: Francisca Eluchans con #soberbia

1 de Junio: Javier Toro Blum con #gula

8 de Mayo: 1989 + VNZO con #ira

15 de Junio: Raimundo Edwards con #pereza

22 de Junio: Jose Yisa con #avaricia

31 de Junio: Maria Gabler + Valentina Soto Illanes con #envidia

6 de Julio: Francisco Belarmino con #lujuria

"Paisaje sin memoria" Instalación de un bosque quemado. Colaboración sonora de Francisca Eluchans con Juan Fontaine.

A partir del concepto de Soberbia, la instalación muestra una escena de un bosque quemado, de árboles nativos y chaguales (puya chilensis) quemados durante un incendio forestal en febrero del año 2022. 

La instalación reflexiona sobre nuestra relación con la naturaleza. El 99% de los incendios forestales de Chile son producidos por el hombre (ya sea por negligencia o intencionalidad). La soberbia del hombre frente a los recursos naturales, nos ha llevado a una sequía extrema y a un poco cuidado y respeto por la naturaleza. Es hora de repensar nuestro actuar y reflexionar sobre el mundo que queremos construir.

SOBRE LA ARTISTA:

La obra de Francisca Eluchans se centra en la deconstrucción de la imagen fotográfica, utilizando el collage como estrategia para desplazar la fotografía a una dimensión tridimensionalidad, al cuerpo escultórico y a la instalación. Reflexiona sobre el territorio y el significado del paisaje. Que no todo territorio es paisaje, y que por medio de nuestra experiencia lo transformamos en paisaje. A partir de esta idea, con su obra artística busca proyectar su experiencia sensible en el paisaje, a través de estas construcciones volumétricas. Encapsula pequeños fragmentos de esta experiencia y los transforma en esculturas sociales y geográficas, planteando que el paisaje es ante todo una idea, una proyección mental que deseamos materializar y conservar. Trabaja principalmente con paisajes urbanos y con paisajes naturales y deshabitados. En el último tiempo ha trabajado con la técnica fotoquímica del cianotipo.

Actualmente vive y trabaja en Santiago, Chile. Desde 2009 ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y en el extranjero, incluidos países como Argentina, Perú, México, China, Italia y Estados Unidos.

"Las Lámparas de Zarathustra" es una instalación lumínica y sonora, que se compone de 6 esculturas lumínicas y un sistema de sonido de 5 parlantes que reproducen Reverse Zara, música ambiental creada sampleando y trabajando con los primeros segundos de Also Sprach Zarathustra de Richard Strauss, creando un continuo de vibración sonora. La obra de Strauss toma el título del libro homónimo del filosofo Frederick Nietzsche, canción que además se volvió icónica en la cultura popular como tema principal de la película 2001: Space Odyssey de Stanley Kubrick del año. Se abre así un mapa de referencias y citas culturales de manera reverberante.

La pieza sonora se reproduce en los 5 parlantes en tiempos diferentes, pero la vibración constante unifica las reproducciones en una masa sonora de múltiples capas. Iguales pero diferentes. Lo mismo con las esculturas lumínicas: Las piezas se componen de los mismos elementos pero por su configuración ninguna es igual a la otra.

SOBRE EL ARTISTA:

Javier Toro Blum: Licenciado en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile y Master en Escultura del Royal College of Art de Londres. Su trabajo se centra en la percepción visual, la fenomenología del espacio, y sus subsecuentes implicancias culturales, emocionales y psicológicas. Ha sido merecedor de la Beca Chile para Magister, Beca Fundación Arte +, Beca Fundación Pablo Neruda y dos veces del Fondo de Desarrollo de las Artes y la Cultura.

Ha exhibido individualmente los proyectos "Ingmar" en Galería Concreta, Matucana 100, “Dibujar en la Tierra” en el Centro Nacional de Arte Cerrillos, "No pasado No Presente No futuro", "Fotometrías", "Triada" y "La Cámara de Schrödinger" en Galería Patricia Ready. Entre sus exhibiciones colectivas destacan "Transitions", A.M Bjiere, New York, Estados Unidos; "Domestic Essays", Carpintarias de São Lázaro, Trienal de Arquitectura de Lisboa, "Tout Ce Qui Est Droit Ment" Sobering Galerie, París, "Hablar en Lenguas" 12 Bienal de Artes Mediales en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, "21st Century Art and Design – RCA 2013" en Christie’s London, "Muse" en Lempertz Berlin, "Paradise" en el Salon del Mobile de Milán y "Luz Sur" en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, entre otras. Fue director del Laboratorio Eigengrau el año 2015. Investigación sobre la percepción de la oscuridad y desmaterialización de la obra como alucinación óptica, resultando en un libro homónimo.

Su trabajo se encuentra en las colecciones del Royal College of Art, Princeton University, Museo de Arte Moderno de Chiloé, White Elephant Bibliothek Consejo para la Transparencia del Gobierno de Chile, Ca.Sa y Fundación Engel, así como en colecciones privadas en Chile, Alemania, Francia, Inglaterra y Perú.

La obra consiste en una instalación de vídeo mapping que reflexiona audiovisualmente sobre el concepto del "pecado" y la ira en la humanidad.

Desde una sublimación personal la artista Fabiola Morcillo 1989 crea un juego simbólico de luces y sombras donde explora la visión espiritual del fenómeno de la ira y Vincenzo Traverso VNZO es quien genera un espacio sonoro donde se invita al espectador a participar de este ritual estético.

SOBRE LOS ARTISTAS:

Fabiola Morcillo a.k.a. 1989 es una artista digital chilena cuya práctica se dirige a las artes digitales incluyendo, Ilustración en Autocad, vídeo mapping, animación, grabado láser en mármol y proyectos arquitectónicos. Mezclando la arquitectura y el arte, fantasía de tecnologías y misticismo simbólico. Seleccionada por Autodesk “AutoCAD 35 Under 35 young design list”2017, Elástica, Galería CIMA 2018, “Lights of Chile” - 193 Gallery, Francia Paris 2019. Nominada a “Young Program Architects of MOMA” Vj performance en Recreo y Lollapalooza Chile 2019. Feltzine Database NYC 2020, “Sol de Invierno” y “CAOS” en Galería CIMA 2021. Exposición individual "Imágenes de la 3D" en Galería la Curtiembre y LIVE show VNZO x 1989 en teatro CEINA.

VNZO, Vincenzo Traverso: Dj/Productor de Valparaíso ahora ubicado en Santiago, en los últimos 5 años se ha convertido en uno de los shows en vivo más interesantes de Chile y Sudamérica en Ebm / Industrial, ya cuenta con presentaciones en Boiler room, Red light radio, E.X.T México, Primavera fauna, Recreo, LIVE show VNZO x 1989 en teatro CEINA.

SOBRE EL ARTISTA:

Raimundo Edwards: Es licenciado en Artes Visuales mención Pintura por la Universidad Finis Terrae y Magíster en Artes Visuales por la Universidad de Chile. Ha recibido el Premio 1er Lugar Beca Arte CCU y residencia I.S.C.P. Brooklyn, Nueva York 2013-4, Becas Fondart y adquisición 2016-2020, Premio Minera Escondida MAVI, Beca residencia Bloc 2013 y premio A.I.C.A del círculo de críticos 2009 entre otros.

Dentro se sus exposiciones individuales destacan: Rehacer toda marcha a su antojo, Museo de Artes Visuales – MAVI (2019); El Centro de la Tierra, Galería Metales Pesados, Santiago (2016); Hexagonal, Galería Tajamar, Santiago (2015); Freno y Aceleración, Sala de Artes CCU (2014); Lost&Found, Y Gallery, New York (2014); Retorno, Museo de Artes Visuales-MAVI, Santiago (2013). Algunas de sus exposiciones colectivas son: Life of my life , Vitrina LAB, Miami, U.S.A.(2020); INTROSPECCIONES, Galería Concreta M100, Santiago, Chile; SIART 9a Bienal Internacional, Bolivia (2016); Febrero Untitled, Galería Metales Pesados (2016); Ten, Cindy Rucker Gallery, curaduría Ian Cofré, New York (2014); Arqueologías a Destiempo, Galería Gabriela Mistral Arte Contemporáneo. Santiago (2012); Zíper, Sala de arte CCU, Santiago (2010); Naturata, Galería Florencia Loewenthal, Santiago (2010); USVtv videoicomiso, Museo de la Ciudad de Querétaro. México (2010); Artilugio Chilensis, Sala la Perrera, España (2009); Dudo, acciones en 3 museos: Louvre, D ́Orsay y Centre Pompidou, Francia (2009).

“PRETIUM// crónicas de una muerte anunciada” es una instalación que mediante una propuesta visual, sensorial y lúdica introduce al espectador a un contexto distópico, donde el relato presentado mediante una instalación compuesta por piezas video se construye a través de la mezcla de trozos de estas cuál dj, ahondando en la realidad distópica presentada en estas películas seleccionadas para un momento “futuro” el cual ya se encuentra pasado. Proponiendo y cuestionando la misma producción artística audiovisual en su capacidad histórica y visionaria. Proyecciones que a modo de instalación abordan la sala mezclándose con el sonido activado mediante el movimiento del espectador en la misma, permitiendo mediante la yuxtaposición de imagen, sonido y participación una pieza inmersiva que cuestiona al visitante mediante la imagen como elemento de constructo y cuestionamiento.

Simbólicamente hablando, busco a través de la instalación dar origen y peso a un encadenamiento entre actos, formas, signos e imágenes, reconfigurando esta cadena en una producción visual que da cuenta de la temática abordada por esta investigación “LA AVARICIA”. Así desarrollando una pieza vinculada a los sistemas económicos y a las relaciones sociales, analizando los desperfectos, la precariedad y el frágil equilibrio de poder existente en las relaciones jerárquicas de poderes de dominación en el marco del capitalismo Neo-colonial y las imposiciones hegemónicas normalizadas.

SOBRE EL ARTISTA:

José Yisa: Artista visual proveniente de la escena de contra cultural de finales de los 90,s y principio de los 2000. Dedicado a su producción visual se licencia en artes visuales (2005) dedicándose tras esto a la investigación y realización artística en el circuito tanto local como internacional, trabajo desarrollado en paralelo con la docencia en diferentes instituciones del rubro. El año 2016 becado por los Fondos de Cultura de Chile realiza Magister en la Facultad de Artes de la Universitat de Barcelona especializando la investigación en “Arte en el espacio público como generador de Memoria Histórica”.

Yisa cuenta con exhibiciones tanto colectivas como idividuales en galerías y museos tales como: CCCB (ES), Museo de Arte Contemporáneo (CL), Centro Cultural Matucana 100 (CL), Bienal de Artes Mediales BVAM (CL), Galería Santa fe (CO), Museo Teopanzolco (MX), Lite–Haus Galleriy (DE), Monopol (DE), Kastanien (DE), Convent Sant Agusti (ES), Galería Braga Menéndez (AR), Galería wschodnia (PL), Pira Arte Contemporáneo (ES), Sagrada Mercancía (CL), Fundación Maria Jose Jove (ES), Tecla Sala (ES), MUTT Arte Contemporáneo (CL), Galería Animal (CL), Galería Die Ecke (CL), Salón Tudor (CL), Galería Balmaceda arte joven (CL), Mario Kreuzberg Gallery (DE), entre otras. En paralelo se ha desempeñado como docente en diferentes universidades y centros de formación, tales como Fábrica de Creacio “la Escocesa” Barcelona España, Universidad Finis Terrae (CL), Centro cultural Balmaceda Arte Joven (CL) o Universidad del Desarrollo (Cl) entre otras.

Así mismo cuenta con distinciones como Ganador de Nominación al “EFG LATIN AMERICA ART AWARD, in collaboration with ARTNEXUS” en Feria ChaCO 2021, obtención de la “Convocatoria Nacional de adquisición de obras de arte 2020” del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile, Obtención del Tercer lugar en Concurso de Arte Público de la Comisión Nemesio Antunes // Ministerio de Obras Públicas , para el Aeropuerto de Concepción 2020, Beca de intercambio de La Escocesa con el centro de creación Glogauair BerlÍn 2017, Beca Fondo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile, para realización de Posgrado en la Universidad de Barcelona, España 2016. Su trabajo a sido publicado en libros de arte contemporáneo tanto en Chile como el mundo, algunos títulos son: “Construcciones , sistemas y transformaciones” (CL), “Chile Arte Joven” (CL), “SUB 30”(CL),“Revisión Técnica” Pintura Contemporánea Chilena 1980-2010 (CL), “Nuevo mundo latinoamerican street art”(DE), Street Art Chile (UK), Ojo latino (IT), Libro de graffiti (CL).

El proyecto Envidia consiste principalmente en un gran contenedor lleno de barro, que cubrirá casi la totalidad del suelo de la sala, dejando solo un pasillo estrecho por el rededor. El espacio cubierto por el barro será iluminado con una proyección y diversas luces. Los  reflejos y brillos que generará la luz en el barro serán la principal atracción. Así mismo, los y las espectadoras tendrán la posibilidad de interactuar tanto con el barro (podrán tocarlo, moverlo, etc) como con las luces (al producir sombras con sus movimientos).

SOBRE LAS ARTISTAS:

María Gabler (Santiago,1989) es Licenciada en Arte en la Universidad Católica (2010), titulada del programa de Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile (2014) y Profesora de Arte. Ha participado en diversas exposiciones entre las que destacan las muestras individuales "La Ventana" (2022) en Galería Gabriela Mistral, "Anfibia" (2021) en MAM Chiloé, “La Galería” (2017) en Sala de Arte CCU, y “Mirador" (2015) en Galería Tajamar. Además, ha sido parte de más de una docena de exhibiciones colectivas en Matucana 100, Galería D21, Galería Macchina, Galería Local, Museo de la Solidaridad, entre otros.
Su trabajo ha sido reconocido en varias ocasiones recibiendo tres Fondart (2015, 2017, 2020), adjudicándose el 3er lugar de la Beca Arte CCU en 2015 y el primer lugar en 2021, recibiendo el Premio Ca.Sa en 2021, entre otros. Actualmente se encuentra realizando una residencia en el ISCP en Nueva York como parte de la Beca CCU.

Valentina Soto (Santiago, 1988). Licenciada en Arte de la Universidad Católica de Chile. Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile (2015) y la Universidad de Pensilvania (2020). Ha participado en muestras colectivas en Filadelfia, Nueva York, Buenos Aires y Bogotá. Dentro de las muestras destacan: Wants & Needs (Efa project space, Nueva York), Del ruido al silencio: valoración de ruinas industriales en zonas rurales (Casa Prochelle I), Crónicas de lo ajeno (Galería Gabriela Mistral), De lejos se arma: ejercicios de recorte (galería BECH). 

De entre los premios y becas recibidos destacan, mención honrosa en VII Versión del Premio MAVI 2012 y el XXXVIII Concurso Nacional de Arte Joven Universidad de Valparaíso 2016, Beca Dedalus Foundation 2020, Beca AMA-Gasworks 2022. Sus residencias incluyen Flora ars+natura (Bogotá, Colombia), R.A.R.O. (Buenos Aires, Argentina), Vermont

"Punto de Fuga": A través de una pantalla led de forma esférica que muestra un imaginario corporal abyecto, el site specific propuesto nos entrega algunas señales sobre la relación entre sus imágenes que han sido generadas con inteligencia artificial, el deseo de su representación y contemplación, así como también entre el mecanismo de suspensión en espacio en que se instala.

En sus procesos, los fragmentos del cuerpo humano que se exponen aquí, primero deben ser leídos como textos o datos por la máquina y su programación con el fin de descifrarlos e interpretarlos como imágenes. Lo que aparece, es una interfaz ambigua, a veces abstracta, que ha aprendido sobre lo que se desea observar. En 360, abierta, en partes, con interiores, piel, grasa, carne, y otros elementos visuales y sonoros, se mezclan estos resultados con imágenes de archivo de su propio autor.

SOBRE EL ARTISTA:

Francisco Belarmino (1988), Estudió Artes Visuales y Fotografía en la Universidad de las Artes, Ciencias y Comunicaciones, y es Magister en Investigación y Creación Fotográfica de Universidad Finis Terrae. Se desarrolla como artista, docente y postproductor de video en Santiago, Chile. Sus obras se han expuesto en destacados museos y galerías nacionales como en Museo de Arte Contemporáneo MAC, Museo de Bellas Artes De Santiago, Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos, Galería Bech, Galería Metropolitana, ha participado en la 13 Bienal de Arte Mediales, y el Concurso de Arte y Tecnología Matilde Pérez, entre otras instancias y espacios culturales del país. Mientras que en el extranjero sus trabajos han sido exhibidos en Roma, Casoria, Madrid, Zurich y Buenos Aires.

• Solicitaremos Pase de Movilidad, desde los 12 años, a todas y todos quienes asistan a las actividades presenciales del Centro Cultural. Dicho documento será revisado en las puertas del Centro Cultural. Sin este documento no podrás ingresar a Matucana.
• Los niños menores de 12 años podrán ingresar a las funciones/actividades presenciales acompañados de un adulto con Pase de Movilidad.
• Tras ingresar, sigue cuidadosamente las indicaciones del Equipo M100. En especial, al momento de entrar y salir de cada espectáculo.
• Controlaremos la temperatura de todas las personas que ingresen a M100.
• Supervisaremos el uso de mascarillas antes, durante y después de las actividades.